TÉCNICAS Y ESTILOS ARTÍSTICOS EXPERIMENTALES

¡Dale nuevas alas a tu creatividad!

¿Te gustaría conocer y experimentar con técnicas artísticas sorprendentes?

¿Combinar materiales nuevos e inusuales con la pintura tradicional?

¿Renovar por completo tus horizontes artísticos y capacidades?

¿Aprender a conjugar lo antiguo con lo nuevo?

¿Fabricar tus propias pinturas y materiales artísticos?

¿Conocer los procedimientos de grandes artistas y aprender diferentes estilos pictóricos?

Con este curso descubrirás técnicas y estilos experimentales sorprendentes, que aprenderás a combinar de forma práctica en tus obras. Descubrirás que el lenguaje y las posibilidades de la pintura son mucho más amplios de lo que imaginas.

Aprenderás a:

• Trabajar con técnicas experimentales de pintura, como el estampado, estarcido, collage, transferencias, etc.
• Emplear soportes habituales de forma inusual: yeso, palets, tableros de madera, etc.
• Aplicar fondos a base arena, serrín, polvo de mármol, etc. y combinarlos con técnicas tradicionales.
• Adaptar las técnicas tradicionales de pintura (empaste, sfumatto, veladura, etc.), a la creación contemporánea.
• Usar materiales como el pan de oro y pan de plata, en pintura actual.
• Fabricar tus materiales artísticos de forma artesanal, con las recetas y fórmulas tradicionales, como tus propias pinturas al óleo, temple y pastel. que podrás combinar entre sí.
• Montar e imprimar tus propios lienzos y soportes para pintar.
• Combinar todo este conjunto de técnicas antiguas y modernas para desarrollar tu creatividad mediante proyectos personales.

Estructura del curso

Este curso está estructurado en dos módulos que corresponden a dos cursos académicos:

PRIMER MÓDULO:

Está centrado en la fabricación de materiales y la exploración de una gran diversidad de técnicas experimentales. Prepararemos soportes inusuales y aprenderemos cómo se pueden combinar múltiples técnicas y procedimientos para garantizar la durabilidad de nuestra obra.

SEGUNDO MÓDULO:

Se centra en la exploración de diferentes estilos pictóricos partiendo de artistas muy relevantes con el objetivo de descubrir las claves de su pintura y explorar cómo podemos usar creativamente sus técnicas en la actualidad. Para la realización de este bloque se podrá elegir entre óleo o acrílico en combinación con otros materiales.

¿A quién se dirige este curso?

Este curso es adecuado para personas de todos los niveles que deseen descubrir caminos nuevos. Es posible inscribirse directamente en el segundo bloque si el alumno/a ya tiene algunos conocimientos previos sobre encaje y claroscuro.

CONTENIDOS DEL CURSO

PRIMER MÓDULO

1. EL SOPORTE: CONFECCIÓN E IMPRIMACIÓN

• Montaje de lienzos: lino, algodón, yute y tela estampada.
• Contrachapado, DM y otros soportes adecuados para técnicas matéricas.
• Elaboración creativa de soportes irregulares con madera: corte, talla, encolado y desgaste.
• Reciclaje de objetos como soporte artístico: palets, periódicos, cajas, etc.
• Imprimaciones: Gesso, imprimación acrílica, etc.
• Utilización de cargas para bases texturales: polvo de mármol, serrín, estuco, arena, etc.
• Soportes metálicos: cobre, hierro, aluminio, etc.

2. MATERIALES Y TÉCNICAS TRADICIONALES: SU FUNCIÓN ACTUAL

• Fabricación de temple al huevo y su utilización en técnicas como la tinta plana y el achurado.
• Fabricación de acuarela y gouache y su utilización en técnicas como aguadas y lavados.
• Fabricación de pastel y su utilización en técnicas como fundidos y tramas.
• Fabricación de óleo y su utilización en técnicas como empaste, sfumatto y veladura.

3. TÉCNICAS ARTÍSTICAS EXPERIMENTALES

3.1. El trabajo creativo con textura visual

• Pintar sobre elementos con textura: papel de periódico, tela estampada, etc.
• Estampado, estarcido y frotagge.
• Alteraciones químicas: craqueladores y decapantes.
• Cordeles y sogas para crear efectos y texturas.
• Dripping, vertidos y chorreados.
• Combinación de textura y tinta plana con efectos de silueta.

3.2. Integración de elementos con cualidades específicas

• Pan de oro y pan de plata: registros pictóricos.
• La transferencia de fotografías en diferentes soportes.
• Collage: composición con elementos diversos.

3.3. La textura física: cómo trabajar sobre soportes matéricos

• Pintar sobre elementos con textura física: tela de saco, imprimaciones con carga, etc.
• El cartón como base artística: cartón corrugado, cartón de patronaje, cartón fallero, etc.
• Trabajar sobre soportes de madera: veteados, ensamblados, etc.
• Collage: Composición, textura y tridimensionalidad.

SEGUNDO MÓDULO

ESTILOS PICTÓRICOS. CLAVES DEL LENGUAJE VISUAL Y SU EXPRESIÓN ACTUAL.

4.1. Aguada y emotividad en los cielos del Romanticismo.

John Constable

William Turner

La aguada, con su fluidez y transparencia, fue clave en el Romanticismo para transmitir emotividad por su gran fuerza expresiva y dramatismo. Por ejemplo, William Turner exploró esta técnica para representar tormentas, incendios y atmósferas que evocan estados emocionales intensos, mientras que John Constable representó cielos naturales llenos de movimiento y sensibilidad. Ambos transformaron el paisaje en un espejo del alma humana. Hoy, estas aproximaciones siguen siendo útiles en la pintura contemporánea, al inspirar formas de expresar lo subjetivo y lo atmosférico con libertad técnica.

4.2. Línea y mancha en el renacimiento.

Leonardo da Vinci

Sandro Botticelli

En el Renacimiento, la línea y la mancha se usaron de forma complementaria para definir forma y volumen. Artistas como Botticelli, por ejemplo, emplearon el achurado con líneas finas para dar textura y modelado a sus figuras, mientras que Leonardo da Vinci desarrolló el sfumato para crear transiciones sutiles y atmósferas envolventes. Estas técnicas siguen siendo relevantes hoy, ya que enseñan a equilibrar precisión y expresividad en el arte contemporáneo.

4.3. Elementos gráficos en Art Decó y Art Nouveau.

Gustav Klimt

Tamara de Lempika

El Art Nouveau y el Art Decó son estilos que introdujeron elementos gráficos de gran relevancia en el lenguaje pintórico. En la obra de Gustav Klimt, por ejemplo, la síntesis ornamental y el ritmo visual se manifiestan en formas orgánicas y patrones repetitivos que fluyen con elegancia. En contraste, Tamara de Lempicka destaca por la geometrización y el gran dinamismo visual. Estos recursos siguen siendo relevantes en la actualidad por su influencia en el diseño gráfico, la moda y la arquitectura contemporánea.

4.4. Pincelada y empaste en artistas del alto renacimiento y barroco.

Tamara de Lempika

Diego de Velazquez

En los comienzos del Barroco, la pincelada y el empaste tomaron gran protagonismo en la representación pictórica. Velázquez destacó por la gestualidad y dirección libre de su pincel, que aportaba vitalidad a sus obras. Tiziano utilizó veladuras y frottis para lograr profundidad y suavidad en los matices. Rembrandt, por su parte, empleó empastes densos para representar brocados y abalorios con gran realismo táctil. Estas técnicas siguen influyendo en el arte actual por su capacidad de transmitir textura, luz y emotividad.

4.5. El color en el impresionismo y el post-impresionismo

Vicent Van Gogh

Joaquín Sorolla

Manejar el color es fundamental para cualquier artista, en el impresionismo y el postimpresionismo, el color se convirtió en protagonista para captar la luz, la atmósfera y la emoción. Por ejemplo, Joaquín Sorolla utilizó una paleta luminosa para reflejar la intensidad del sol y el mar. Berthe Morisot aplicó colores suaves y vibrantes para representar lo efímero con delicadeza. Van Gogh, en cambio, usó el color de forma expresiva y simbólica, cargando sus obras de fuerza emocional. Estas exploraciones cromáticas siguen inspirando a artistas y diseñadores por su capacidad de comunicar sensaciones de forma directa y poderosa.

4.6. Collage y tridimensionalidad en las vanguardias

Pablo Picasso

Hannah Höch

En las vanguardias del siglo XX, el collage y la tridimensionalidad transformaron el lenguaje visual tradicional. Picasso y Braque introdujeron el collage cubista, integrando materiales y texturas que rompían con la ilusión pictórica clásica. Hannah Höch, desde el dadaísmo, utilizó el fotomontaje para crear composiciones críticas y provocadoras. Estas técnicas abrieron nuevas posibilidades expresivas que hoy siguen siendo fundamentales en el arte contemporáneo, el diseño y los medios digitales.

4.7. Gestualidad y deconstrucción en la postmodernidad

Lita Cabelllut

Jenny Saville

En la postmodernidad, la gestualidad y la deconstrucción se convierten en herramientas para explorar la identidad y el cuerpo desde nuevas perspectivas. La artista Lita Cabellut, por ejemplo, utiliza pinceladas enérgicas y capas fragmentadas para expresar emociones profundas y realidades rotas. Jenny Saville, por su parte, deconstruye la figura humana con trazos intensos y composiciones crudas que desafían los cánones de belleza. Estas aproximaciones buscan ampliar los lenguajes del arte contemporáneo con nuevas formas de experimentación y reflexión crítica.

PROFESORA

Estela de Frutos

Profesora de “Dibujo y Pintura”

Artista y doctora en Bellas Artes. Su obra se mueve en un territorio híbrido entre arte, ecología y educación artística. Ha participado en proyectos a nivel nacional e internacional, como Opovo 010 en Serbia (2010) o Inner Nature Exhibition en Finlandia, Puerto Rico y EEUU, entre otros, (2013-2018). En Valencia ha trabajado con museos e instituciones como la Universitat Politècnica de València (2013-2017), el IVAM (2020-2021) o el Consorcio de Museos (2019-2021). Ha realizado también exposiciones individuales como Semilla de Animal Humano (Santiago de Compostela, 2012) o Agridulce (Salamanca, 2011) y participado en ferias de arte como JUSTMAD (Madrid, 2013) o ROOM ART FAIR (Madrid, 2012).

Página web: www.esteladefrutos.com

CONDICIONES ECONÓMICAS